Archivo de la etiqueta: arte

Desnudando a la Venus de Urbino

La Venus de Urbino incomodó por el gesto de su mano izquierda dulcemente posada en su sexo. Aunque el gesto está prestado de la Venus de Dresde de Giorgione, en el caso de la obra de Tiziano no se toleró porque ya no se trataba del gesto de una mujer dormida, sino de un gesto consciente, provocador y además acompañado de una mirada un tanto lánguida y directa al espectador que recordaba demasiado a la imagen de una cortesana invitando al placer.

Por no hablar de las connotaciones del gesto de la mano derecha… Las rosas que Venus acaricia también nos llevan a pensar en el placer que ella misma se otorga. Este orgullo de una Venus conocedora de su propia belleza junto con el exhibicionismo ya no del propio cuerpo sino de su capacidad para ofrecerse placer produjo indignación, especialmente y curiosamente en personajes de épocas posteriores, como Marc Twain (quien probablemente desconocía la figura paleolítica de la Venus de Laussel (20000 a.C), que representa a una mujer de senos prominentes masturbándose). Éste escritor americano comentó al respecto de laVenus de Urbino en A tramp abroad (1880): “Allí, contra el muro, sin cortina que la oculte, podéis ver la obra más impura, la más grosera, la más obscena que se haya pintado jamás:la Venus de Tiziano. No es porque esté desnuda y estirada en la cama, no, es el gesto de una de sus manos. Si me atreviese a describirlo seria un escándalo.”

Venere di Urbino.  Tiziano Vecellio. Óleo. 1538,  119 x 165 cm.Galleria degli Uffizi, Firenze.

No pensaba lo mismo que Twain el duque de Camerino – futuro duque de Urbino – Guidobaldo Della Rovere, quien el mes de marzo del 1538, ordenaba a Girolamo Fantini, su subordinado, de no regresar a Urbino sin traer con él  “la donna nuda” que él mismo había encargado a Tiziano.

Por otro lado puede que el gesto se aceptase mejor en los tiempos en que se ejecutó la obra gracias a la creencia respaldada por médicos y teólogos del siglo XVI según la cual la masturbación femenina favorecía la procreación.

De hecho, y a pesar de lo explícito que nos pueda resultar el cuadro, el significado de la Venus de Urbino aún no ha sido agotado por la literatura artística, que tradicionalmente ha interpretado esta obra como una alegoria del matrimonio. La imagen exalta la belleza de la mujer (condición preliminar a un matrimonio feliz…), aunque las rosas recuerden que la belleza es pasajera y se marchita. La presencia del perro simboliza la fidelidad, otra de las condiciones que se le suponían al matrimonio feliz, y el mirto (por su condición perenne) simboliza el amor durable.

La obra podría haber sido según indican algunas fuentes para Giulia, la futura esposa del duque de Urbino: un regalo que le indicaria a la joven casadera el comportamiento a seguir como amante, esposa y madre.

20 comentarios

Archivado bajo Caviares de arte

Like a Virgin

Vírgenes y Santas asuntas, siempre bellas y nunca solas en su viaje hacia el cielo. Porque se les ha negado siempre la llegada al cielo por ellas mismas y están condenadas a depender de una corte de ángeles dispuestos a elevarlas por los aires cargándolas sobre sus espaldas y alas. La propia etimología de la palabra adsumere (llevar hacia arriba) implica que fueron llevadas a los cielos, mientras que Cristo “ascendió”, subió por sus propios medios. ¿No eran lo suficientemente puras como para alzarse por ellas mismas en cuerpo y alma?

Pietro_Perugino_cat85a

Pietro Perugino. Asunción de María. 1513. Chiesa di Santa Maria Assunta. Corciano. Italia.

Lo cierto es que no hay en las Escrituras ninguna base para esta creencia basada an las obras apócrifas de los siglos III y IV según la cual el cuerpo y el alma de la Virgen María fueron llevados al cielo después de terminar sus días en la tierra. Debido a la influencia del libro llamado el Seudo-Jerónimo el cual ponía en duda si María fue asunta al cielo con o sin su cuerpo (aunque manteniendo la creencia en su incorrupción)  se produjo un  debate sobre la asunción corporal de la virgen. Finalmente se aceptó la asunción corporal de María gracias a textos como el tratado Ad Interrogata, atribuido a San Agustín, el cual aceptaba la asunción corporal de María, y el posicionamiento a favor de Santo Tomás de Aquino y otros grandes teólogos. Pío V en el siglo XVI al reformar el Breviario quitó las citas del “Seudo-Jerónimo” y las sustituyó por otras que defendían la asunción corporal, que fue definida como dogma (verdad de la que no puede dudarse) por el Papa Pío XII el 1 de noviembre de 1950.

dormición de la virgen

Dormición de la Virgen. Cristo recoje su alma. (BNF, ROTH 2529) fol. 369 . Breviari de Martí d’Aragó. finales del s.XIV. Catalunya. (160 x 160 mm). Biblioteca Nacional de Francia.

Uno de los períodos en los que más se fomentó el culto a la Virgen fue el siglo XIII con la aparición del libro de Santiago de la Vorágine la Leyenda Dorada, que se convirtió en un libro de consulta muy conocido entre los artistas. En él se narra como mientras los apóstoles estaban sentados junto a la tumba de la Virgen, tres dias después de su muerte, se les apareció Cristo acompañado de San Miguel, que llevaba con él el alma de la Virgen “Y al momento el alma volvió al cuerpo de María, y salió gloriosamente de la tumba, y fue recibida en la cámara celestial, y con ella una gran comitiva de ángeles”. La Asunción comenzó a representarse con profusión en la escultura gótica del s.XIII, especialmente en los pórticos de las iglesias dedicadas a la Virgen. Su forma característica (composición a base de dos o tres elementos superpuestos) se encuentra en el Renacimiento y se ha ido repitiendo posteriormente.

Rubens. Asunción de la VirgenPeter Paul Rubens. Asunción de la Virgen. 1624-27. Catedral de Amberes.

También necesitó la ayuda de los ángeles María Magdalena cuando en su retiro montañoso y solitario cerca de Saint-Baume, donde  pasó treinta años de penitencia y de ayuno , “siete veces al día bajaban unos ángeles que la subían hasta el cielo, donde se le permitía atisbar la dicha futura” según nos narra  la Leyenda Dorada de Vorágine.

MARIA+MAGDALENA

Asunción de María Magdalena

Dejando a parte la teología, no se puede obviar la influencia que la Antigua Grecia y sus diosas paganas deberían haber ejercido en el hecho de representar a estas santas mujeres elevándose por los cielos. Ya lo hizo en su momento Medea, no rodeada de ángeles, sino de fuego y en un carro del diós Helios (el Sol) tirado por dragones o la Calisto, convertida en constelación. Ahora tenemos nuevas diosas y santas a las que adorar:

Saint Barbie

Mark Riden. Saint Barbie. 1994.

Santa Barbie  tampoco precisa de la ayuda de los ángeles para subir al cielo y su música celestial en vez de a cantos gregorianos o música de órgano más bien suena a Like a Virgin de Madonna.

9 comentarios

Archivado bajo Caviares de arte

Helmut Newton y la divina desnudez

La moda tiene sexo. Y la fotografía se ha encargado de mostrarlo sutilmente desde mediados del siglo XX, cuando ilustres nombres como Erwin Blumenfeld o Fernand Fonsagrives ya se atrevían a mostrar desnudos femeninos cubiertos por gasas o expuestos al sol. Desde entonces muchos han sido los fotógrafos que han “alegrado” la moda con su particular visión sexual de ella… Pero ninguno ha hecho del sexo su principal fuente de inspiración para realizar trabajos que resultaran realmente transgresores como lo hizo Helmut Newton. Por este motivo la editorial Taschen, diez años después de la impactante publicación del libro de Newton Sumo (el libro más caro y de mayores dimensiones del siglo XX), le rinde homenaje al maestro de la osadía con una reedición más asequible en tamaño y precio -no se engañen, pesa y no es precisamente barato, pero vale la pena por tratarse de una delícia y una maravilla para los sentidos-.

Newton-self portraitAutoretrato con su mujer y modelos, París 1981

Helmut Newton, el berlinés nacido en el seno de una rica família judía, el que fue un niño sin ningún interés por los estudios pero con una gran fascinación por las cámaras.El que escandalizó e intrigó al mundo de la moda durante medio siglo con sus provocativas mujeres y su fama de enfant terrible. Una fama ganada a pulso. “La noche de los cristales rotos” le obligó a huir rumbo a China pero acabó en Singapur, donde pronto se convirtió en gigoló y amante de una mujer mayor. Se volvió a subir a un barco, esta vez rumbo a Australia, donde comenzó a trabajar como fotógrafo en la edición de Vogue para este país  y donde conoció a su inseparable esposa June.

juneJune Newton, París 1972

Pero fue en París donde Newton encontró el lugar perfecto para un estilo que lo convirtió en el “rey del vicio y príncipe del porno”. El Newton que ilustra la famosa sesión para Vogue París donde el esmoquin de Yves Saint Laurent contrasta con la pálida desnudez de una modelo en actitud fría y desafiante frente a la seducción de una mujer andrógina, moderna y terriblemente sensual.

Yves Saint Laurent-NewtonRue Aubriot, Yves Saint Laurent, French Vogue, París 1975

Estamos ante el fotógrafo que en 1976 transformó la boutique de Hermès de la rue Faubourg Saint-Honoré en el sex-shop más caro y lujoso del mundo para el Vogue francés; en los expositores exhibió espuelas, látigos, accesorios de cuero… y a las dependientas las vistió de estrictas institutrices.

saddleSaddle I, Paris 1976

Las feministas se le hecharon encima acusándole de ser un esclavo de la sociedad de consumo y de mostrar a las mujeres como “trozos de carne”, ante lo que Newton respondía: “Lo único que me importa es que deletreen mi apellido correctamente” o “Para los que se escandalizan ante mis fotos sólo tengo una respuesta: hay que estar a la altura, incluso de la mala reputación”. Probablemente sea Manolo Blahnik, gran admirador del maestro, quien más razón tiene al definir la fotografía de Newton: “La estética femenina de Newton era única. Fue un hombre que fotografió a mujeres que realmente parecen mujeres”.

American PlayboyVoyeurism, American Plaboy, Los Angeles 1989

En sus últimos años de trabajo, Newton no se sintió muy a gusto con la política empresarial de las editoriales, pero Anna Wintour y Franca Sozzani siguieron apostando por él hasta que un ataque cardíaco al salir del Château Marmont de Los Ángeles en 2004 le hizo perder el control de su Cadillac.

Carla Bruni y sus padres. NewtonCarla Bruni con sus padres, Vanity Fair, Cavalaire, Francia 1992

Su legado se encuentra en la obra fotográfica de sus “herederos”, especialmente en la de Terry Richardson, aunque también podríamos citar a Mario Testino, Steven Klein, David Lachapelle, Ellen Von Unwerth, el dúo Inez van Lamsweerde y Vinnodh Matadin, Paolo Roversi, Mario Sorrenti… y tantos nombres más que como nosotros han sucumbido a la belleza de unas fotografías que nos demuestran que la moda además de tener sexo, lo practica.

Algo más:

-Entrevista a Helmut Newton por Michael Kaplan en Graphis, Sep/Oct 2002

-The Helmut Newton Foundation

10 comentarios

Archivado bajo Caviares de fotografia, Caviares de libros, Caviares de moda

Los riesgos de pintar un tirante caído

En 1882, la ambición de Sargent era la de triunfar a toda costa y creió que retratando a una de las bellezas del momento, Madame Gautreau, sudista en París casada con un banquero y reina de la alta sociedad, conseguiría el golpe de efecto que lo encumbraría definitivamente. Para ello, escribió a su amigo del Castillo para que intercediese por él en la tarea de convencer a Madame Gautreau para que se dejase retratar: “Tengo un gran deseo de pintar su retrato y razones para pensar que me lo permitirá porque está deseando que alguien le proponga este homenaje a su belleza. Si estás “bien avec elle” y te la encuentras en París, dile que tengo un talento prodigioso.

Madame de Gautreau aceptó y su carácter caprichoso y frívolo no tardó en sacar de quicio al artista. Aún así, Sargent terminó el retrato, de unos dos metros, donde una hermosa y despectiva Madame de Gautreau aparecia de perfil con uno de los tirantes de su ajustado vestido caído, mostrando la radiante blancura de su piel sin que ningún chal la cubriera.

MadameX_origMadame X. (reconstrucción del original) John Singer Sargent. 1884. Metropolitan Museum. New York.

La obra fué aceptada y expuesta en el Salón de 1984, pero lo que tenía que ser el gran salto a la fama de Sargent se convirtió en un estrepitoso escándalo. Todo París se arremolinó ante el cuadro para reírse y criticar despiadadamente a Madame de Gautreau, tanto por la pose de incitación sexual que veían en su tirante caído como por  la vanidad extrema que la retratada desprendía. La modelo y su madre exigieron a Sargent la destrucción de la obra: “¡Mi hija está acabada y mi yerno tendrá que batirse en duelo!“. Además la prensa tampoco se abstuvo de ironizar sobre el cuadro, publicando una caricatura con el siguiente pie: “Salón de risa. Nuevo modelo para el As de Corazones”. A Sargent no le quedó otra que retirar el lienzo antes de que acabara la exposición para repintar a Madame Gautreau con el tirante subido. El incidente parece hoy incomprensible, pero en su día armó tanto revuelo como los Déjeuner sur l’herbe y Olympia de Manet.

Madame_X_closeup2Madame X. (detalle de la obra tal y como la podemos ver en la actualidad) John Singer Sargent. 1884. Metropolitan Museum. New York.

Así es como pintar a una mujer con un tirante de su vestido caído le costó al artista Sargent una depresión y tener que dejar Paris e instalarse en Londres. Años después, el káiser Guillermo se enamoraría de la mujer del cuadro. Sargent lo malvendió al Metropolitan de Nueva York, donde ahora podemos contemplar la arrogante y seductora belleza de Madame X e imaginar lo irreverentemente guapa y sexy que debió estar en su día con el tirante caído.

10 comentarios

Archivado bajo Caviares de arte

Los Modi y los sonetos lujuriosos

Los Modi son dieciséis dibujos que representan varias posturas amorosas que Giulio Romano (artista cercano a Rafael) hizo en Roma hacia 1524. Casi immediatamente fueron estampados al buril por Marcantonio Raimondi, y el temido publicista Pietro Aretino escribió unos sonetos erótico-burlescos para acompañar las imágenes. Nada de ello ha sobrevivido, ya que la publicación suscitó una furibunda reacción papal que se tradujo en el encarcelamiento del grabador y en la destrucción de la edición. El único ejemplar existente, denominado comúnmente “Toscanini” se considera el vestigio de una edición clandestina hecha en una fecha y lugar inciertos. Sus grabados en madera parecen mediocres trasuntos de la obra de Raimondi, pero pese a su pobre calidad constityen un testimonio precioso de la cultura figurativa del Renacimiento.

P1010665

Soneto de P. Aretino que acompañaba la figura:Quest’è pur un bel cazzo e lungo e grosso:/ Deh, se m’hai cara, lasciame’l vedere!/ Vogliam provar se potete tenere/Questo cazzo in la potta e me adosso?//Come s’io vo’provar?, come s’io posso?/Più tosto questo che mangiar o bere/ Ma s’io vi frango poi, stando a giacere, / Fàrovi mal! Tu hai’l pensier del Rosso;//Gèttai pur nel letto o ne lo spazzo/ Sopra di me, che se Marforio fosse / O un gigante, n’avrò maggior solazzo://Pur che mi tocchi le midolle e l’osse / Con questo tuo sì venerabil cazzo, / Che guarisce le potte da la tosse. // Aprite ben le cosse, / Che potran de le donne esser vedute/ Vestite meglio, sì, ma non fottute.

Otro reflejo de la destruida serie de Raimondi lo constituyen los dibujos hechos por el artista y aventurero conde de Waldeck a mediados del siglo XIX, quien parece que pudo trabajar con un álbum de la serie existente entonces en un convento mexicano. Aunque exageró el aspecto neoclásico del decorado, todo indica que copió con fidelidad las posturas corporales de los Modi originales.

P1010663

Soneto de P. Aretino traducido por Mario Merlino: He aquí un buen carajo largo y grueso/ ¡Si es tan bueno ese miembro habrá que ver!/ ¿Quieres, te sientes capaz de meter/en tu coño este carajo tan enhiesto?//¿Si me siento capaz?, ¿Que si yo quiero?/Me gusta más que comer o beber./ ¡Yaciendo juntos te lastimaré!/ No hables como Rosso, yo no bromeo!//Ven pues a la cama o móntate ya/ Sobre mí, que si Marforio fueras/ O hasta un gigante, me darías solaz://Penetra hasta los huesos y la médula, con tu picha veneranda y tenaz / Que el resfriado del papo jarabea / Abre bien esas piernas / que podrás ver mujeres bien vestidas, / Pero no las verás tan bien  jodidas.”

Las figuras de los Modi constituyen cuerpos heterosexuales desnudos, de diferentes edades en el hombre, siempre joven la mujer. Están dentro de la tipología que caracteriza la corporeidad rafaelesca de los últimos años romanos, de plástica rotundidad, con un tipo de anatomía que deja al descubierto el relieve corporal con la musculatura del suave moldeado.

P1010664

Soneto de P. Aretino que acompaña la imagen traducido por Mario Merlino:“Si abres las piernas, veré claramente/ Tu culo fermoso y tu crica al viso,/ Culo sin par cercano al paraíso,/ Crica que el cor destila por las renes.// Entre que arrobado miro me vienen/ Ganas de besucarte de improviso,// Y me siento más bello que Narciso/ Ante el espejo en que mi pija crece.// Ay ribalda, ay ribaldo en tierra y lecho./ Te veo, puta, y en cuanto te tenga/ Te romperé dos costillas del pecho.// De bubas estás llena, infame vieja, /Que por este placer pluscuamperfecto/ Voy a entrar en un pozo sin boteja. / Más no hay ávida abeja/ De polen como yo de un buen carajo, / Que sólo de mirarlo ya me empapo.

Se trata de figuras en acción en las que su autor pone en práctica las ideas del Renacimiento, al constatar los Modi la diversidad de posibilidades que tiene la figura humana para expresarse durante el acto sexual, y en definitiva, el rico lenguaje del cuerpo en acción. Ya Alberti había indicado en su Tratado de la pintura que “lo más grato en una pintura es que la actitud y el movimiento de los cuerpos sean muy diferentes entre sí”. En los modi ninguna figura es igual a otra, hay diferentes tipos, rostros, disposiciones, se rehúye la frontalidad en pro de las visiones desde diferentes puntos de vista (una de las premisas defendidas por Leonardo)… Los modi en definitiva expresan la búsqueda de la dificultad, que se convirtió en paradigma de la nueva estética del quinientos y Giulio Romano la proyectó en el acoplamiento de la pareja.

Para seguir descubriendo esta joya renacentista: Los Modi y los Sonetos lujuriosos. G.Romano, M.Raimondi, J.-F.-M. Waldeck y P. Aretino.  Edición de Ana Ávila. La Biblioteca Azul. Ed. Siruela, 2008

6 comentarios

Archivado bajo Caviares de arte, Caviares de libros

The Messenger de Bill Viola

Bill Viola, considerado uno de los pioneros del videoarte, se centra en experiencias humanas universales -el nacimiento, la muerte, la evolución de la conciencia- para explorar los fenómenos provocados por la percepción como via de autoconocimiento. Recientemente ha ganado el XXI Premio Internacional de Catalunya que otorga anualmente el Gobierno catalán para distinguir a las personas que han contribuido decisivamente con su trabajo a desarrollar los valores culturales, científicos o humanos en todo el mundo. Gracias a este suceso podremos disfrutar de la sublime videoinstalación “The Messenger” en la iglesia de Sant Nicolau de Gerona hasta el 20 de septiembre del 2009.

The Messenger. Bill Viola

The Messenger (1996), es una videoinstalación diseñada para ser contemplada en un espacio de culto. Una proyección sobre una pantalla gigante nos muestra un hombre desnudo que emerge y se sumerge lentamente en el agua, mientras respira profundamente, en una bella metáfora de lo inefable del tránsito entre la vida y la muerte. La intensa oscuridad, el silencio tan solo interrumpido por los sonidos del agua y la respiración llenan el espacio y proporcionan una atmósfera de inmersión sensorial que invita a la meditación y a entrar en la obra, a sentirnos en la piel del ser desnudo que contemplamos, que nos recuerda a los santos pero que también somos nosotros.

The Messenger. Bill Viola

Aunque sus obras se nutren de la herencia pictorica religiosa renacentista y en general de la historia del arte occidental y oriental, Viola reconoce tener serios conflictos internos con la fe religiosa, y la espiritualidad de sus obras la vincula a la creencia y sentimiento colectivo que todos vivimos en un momento u otro de nuestras vidas de la existencia de una presencia más allá de nosotros y de nuestra necesidad de expandirnos hacia el mundo, fuera de nosotros. Lo que Bill Viola pretende captar es aquello que se dirige más allá de nosotros mismos y que según el videoartista es la fuente de la creatividad humana.

The Messenger. Bill Viola

La relevante presencia del agua en sus obras, Viola la relaciona a una experiencia personal que él tuvo a la edad de 6 años, cuando estando de vacaciones se lanzó a un lago sin flotador y se hundió, descubriendo entonces el mundo más bonito que él jamás había visto y al que desea volver, ya que sintió desilusión al ser rescatado del agua, de aquél paraíso al que promete volver… al final de sus días.

The Messenger. Bill Viola

The Messenger es una pieza magnífica que hipnotiza y que nos adentra en un estado de paz o quizás en la angustia… Es un golpe a nuestra esencia, una mirada hacia el interior a la vez que un placer para los sentidos y la contemplación estética. No se lo pierdan.

Fragmento de The Messenger en Youtube

Entrevista a Bill Viola en el canal 33 (en catalán)

2 comentarios

Archivado bajo Caviares de arte

Las mujeres collage de Alexis Mackenzie

Alexis Mackenzie es una artista de San Francisco capaz de crear collages mágicos y deliciosos donde mujeres victorianas  transformadas en seres híbridos exploran paisajes surreales donde se mezclan con murciélagos, plantas, calaveras de las que nacen flores. Equipada con sus tijeras,  inagotables lapices de cola y un gran sentido de la belleza y de lo bizarro, sus obras nos adentran a un auténtico país de las maravillas.

utopia_excursion Para conseguir estas hermosas creaciones, Alexis ha estado coleccionando libros (siempre utiliza originales), revistas y periodicos antiguos durante años, pasando horas y horas en las librerias en un proceso de selección del material lento y minucioso en el que intenta evitar las piezas demasiado valuosas por lástima a mutilarlas, y con un criterio que tiene en cuenta la calidad del papel, la paleta cromática, la cantidad y la varidad de las imagenes y la capacidad de estas a ser re-contextualizadas en sus obras. Una vez seleccionado el material empieza el proceso de “construcción” lo recorta con tijeras – ella las considera como extensiones de sus propias manos-, compone las obras juntando todos los retales y los encola con lapices de cola libres de ácidos, más limpios y fáciles de aplicar.

skullblossoms

La elección de esta técnica, el  collage, y no otra en la obra de Mackenzie, nace de su propia visión del mundo, y una necesidad de construir constantemente nuevos significados/analogias dotando de una nueva vida a las viejas representaciones que ya casi nadie mira.

DSC_0097El trabajo de esta artista suele partir de una vaga idea general sobre la historia que narrará, pero siempre deja algo al azar y acaba encontrando por el camino nuevos elementos por asamblar que pueden llegar a transformar completamente la idea de base. En todo caso, el resultado siempre es bellísimo, y nos hace revivir el espíritu del simbolismo, del realismo mágico y del modernismo.

vampire_throne

Visita al estudio de Alexis Mackenzie, lleno de plantitas, libros y viejos periodicos… y de retales, muchos retales.

Más collages en el flickr de Alexis Mackenzie

2 comentarios

Archivado bajo Caviares de arte