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La cinta blanca

Pocas veces se sale del cine con la sensación de haber asistido a una obra maestra. Con la última película del director alemán Michael Haneke es inevitable sentirlo. La cinta blanca no es únicamente una magnífica historia sobre como los principios e ideales considerados como algo absoluto (fanatismo religioso o político) se convierten en inhumanos y llevan a la brutalidad.

La cinta blanca además es una lección magistral de cine y un bellísimo homenaje a la historia del cine: guiños a Dreyer, Renoir, Cartier-Bresson, Bergman y hasta a Visconti. Porque todos aprendemos de alguien, y Haneke no se esconde de ello. Haneke se sirve de los maestros, de una fotografia perfecta y del  guionista  Jean-Claude Carrière (como asesor de guión) para construir una narración impecable donde presenciamos la expansión de la maldad humana, la violencia y la culpabilidad entre los habitantes de un pueblo.

La represión engendra monstruos

Todos llevamos un monstruo en nosotros. Si encima vivimos en sociedades cerradas, autoritarias, excesivamente rígidas y represivas, el resultao inevitable será la creación de seres inhumanos y brutales.  La crítica ha querido ver en ello el germen del nazismo: “Sabes que esos niños familiarizados con los traumas, el abuso, la tortura y el espanto crecerán. Son caldo de cultivo para que un tal Hitler les convenza de que todo está permitido en nombre de la sagrada patria. Y actuarán en la futura barbarie sin sentido de culpa, en perfecta química con lo que mamaron.” (Crítica de Carlos Boyero para “El País”). Pero no se trata tan solo de eso. Estas mismas actitudes se producen y se han producido en muchos sitios. Véanse casos como la masacre de Puerto Hurraco. Según el propio director: “(…) la película no habla solo del fascismo, sería una interpretción demasiado fácil al transcurrir la historia de Alemania, sino de modelo y del problema universal del ideal pervertido”. Via Cineuropa- Fabien Lemercier.

Lo que esconde la “apacible” cotidianedad. La influencia de los interiores de Dreyer y Hammershøi

Haneke retrata un ambiente de austera belleza y paisajes sublimes en los que transcurre una “apacible” vida cotidiana (rebosante de doble moral) marcada por el rigor protestante llevado al extremo que lleva a la intransigencia, la manipulación, la agresividad física y síquica en las relaciones humanas que se establecen entre la mayor parte de los habitantes de este pueblo de la Alemania pre-guerra mundial. La mayor parte de las atrocidades ocurren en las elipsis y detrás de puertas blancas (pureza y rectitud), que nos remiten a los austeros y perturbadores interiores que recrearon artistas y cineastas nórdicos como Vilhelm Hammershøi y Carl Theodor Dreyer. Espacios que de tan vacíos y silenciosos nos desconciertan y nos insinúan que detrás del orden y de la aparente apacibilidad de las escenas cotidianas se esconden secretos y barbaridades enmascaradas de blanco.

Vilhelm Hammershøi. Interior. 1906.

Haneke en este film indica compartir la convicción de Hammershøi y Dreyer de que es en los espacios interiores (de una casa, de una imagen, de un rostro) donde se produce la mayor intensidad dramática. También comparte con ellos la forma de tratar la figura humana y, en concreto, la femenina: las enigmáticas mujeres de espaldas situadas en interiores domésticos remiten a la contemplación y el éxtasis del personaje, a su drama a puerta cerrada, incluso contienen el aroma de la muerte.

El presidente ( Præsidenten ), 1918. Dreyer

Otros guiños

¿Quién más nos hablaba del respeto a unas apariencias y normas vacías..? ¿Jean Renoir en La règle du jeu (1939)? ¡Bingo! Haneke tampoco se olvida de él. Una imagen/escena vale más que mil palabras.

La cinta blanca. M.Haneke. 2009.

Swamp water. Jean Renoir. 1941.

La cinta blanca. M.Haneke. 2009.

Los personajes de la baronesa (que encarna la lucidez y el rechazo absoluto a una sociedad corrompida por la maldad y las bajas pasiones, huye precisamente a Italia) y su hijo nos remiten directamente a Morte a Venezia de Luchino Visconti. Pero aquí no estamos frente a un Tadzio consciente del poder de su propia belleza si no de un niño superprotegido y víctima de la envidia que suscita en el resto de chicos carentes de afecto y sometidos a unas normas sumamente estrictas.

Morte a Venezia (1971). Luchino Visconti.

La cinta blanca. M.Haneke. 2009.

Un atisbo de bondad

Porque incluso en medio de la inmundicia nacen flores. Y podrá triunfar el amor casi pueril e ingenuo entre un profesor de escuela y una niñera y un pequeño se nos acercará para regalarnos su bien más preciado (su mascota) para que no nos sintamos tristes.

P.S: Post dedicado a Óscar  y a Isabel: Muchas gracias por los carteles de Antichrist que me mandaron y por esta obra maestra de Haneke… Ahora solo falta que nos llegue Air Doll… ¿El 4 de Junio? !!!… Cómo me hacen sufrir ustedes…

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Antichrist de Lars von Trier o la belleza del horror

Con Antichrist, Lars von Trier vuelve a mostrar el lado más siniestro de la naturaleza humana. Pero lo hace a través de una belleza que transforma el horror y el dolor en una experiencia estética que tan solo los grandes cineastas logran ofrecer. Con una imagen trabajada al extremo, el director danés narra el descenso a los infiernos de una pareja que acaba de perder a su hijo. Un recorrido doloroso, de angustia, de desesperación, de violencia, de sexo y destrucción.

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Antichrist. 2009. Dir. Lars von Trier. Fotograma.

Sin lugar a dudas el prólogo del film, rodado en blanco y negro, es una de las secuencias más bellas de toda la película junto con un no menos memorable epílogo. Presenciamos a cámera lenta el orígen de la tragedia, la plasticidad de los cuerpos desnudos  de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg en una excitante evocación del deseo y del placer que contrasta con la tremenda belleza de la muerte del hijo que nos recuerda a la caída de un angel. El poder de sugestión de las imágenes del prólogo y del epílogo del film lo refuerza además la brillante elección del Lascia ch’io pianga de Händel como fondo musical de estas dos secuencias mudas.

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Antichrist. 2009. Dir. Lars von Trier. Fotograma.

Sexo y horror : El sexo está presente y explícito en toda la película, tocando las fronteras del porno. Las pulsiones más salvajes afloran del cuerpo de una magnífica Charlotte Gainsbourg (merecido premio a la mejor actriz en Cannes 2009)  que encuentra en el sexo y la violencia la válvula de escape a su dolor y a su sentimiento de culpa, protagonizando escenas de una crudeza brutal. Si no les gustó ver a Isabel Hupert aplicándose cortecitos en el clítoris en La Pianiste de Michael Haneke, tendrán que cerrar los ojos en alguna ocasión si deciden ver Antichrist.

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Antichrist. 2009. Dir. Lars von Trier. Fotograma.

La maldad de la naturaleza / la maldad femenina: Algunos críticos han considerado Antichrist como una película misógina. No estoy de acuerdo. La tesis que la protagonista está escribiendo y que acaba en cierto modo apoderándose de su torturada mente y convirtiéndola en un monstruo, trata sobre temas esotéricos, sobre las fábulas de mujeres consideradas brujas, de los poderes maléficos que se les atribuían y de cómo se ocuparon los hombres y la iglesia de torturarlas, vejarlas y quemarlas. La maldad no es exclusiva del personaje femenino. La encontramos en todos los elementos de la película, incluso en la naturaleza. Una naturaleza misteriosa y salvaje que por algunos momentos nos recuerda a las naturalezas de David Lynch y las apariciones surreales de animales con las que el director norteamericano suele trabajar.

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Antichrist. 2009. Dir. Lars von Trier. Fotograma.

La belleza del horror: Este para mí es el elemento clave de la película. De cómo el horror, el dolor vivido (el mismo que el propio Lars von Trier ha vivido y exterioriza en este film), se puede transformar en una belleza monstruosa. Disfrútenla y déjense cautivar por sus delirios.

-Tráiler y más información en el site de Antichrist

-Antichrist en IMDB

Entrevista a Lars von Trier sobre Antichrist.


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